Depois de um hiato na carreira entre 2009 e 2014, RÓISÍN MURPHY tem-se mostrado mais prolífica do que nunca nos últimos anos. Ao EP "Mi Senti" (2014) seguiram-se, quase de rajada, os álbuns "Hairless Toys" (2015) e "Take Her Up to Monto" (2016), mas em vez de espremer singles desses registos a ex-vocalista dos Moloko opta por continuar a seguir em frente.
A aventura mais recente junta-a a Maurice Fulton, veterano da house e produtor de oito colaborações que serão editadas em quatro vinis de 12 polegadas, ao ritmo de um por mês entre Maio e Agosto. A primeira, "ALL MY DREAMS", é uma canção serpenteante apontada para as pistas, que nunca chega a explodir mas que se vai insuando através da voz maleável da irlandesa e de dinâmicas rítmicas assentes na percussão - entre a house, o funk e o disco em lume brando.
A dança também é, de resto, o ponto de partida para o lado B, "Innocence", para os singles que se seguem e para o videoclip desta amostra inicial. Realizado pela própria cantora, o vídeo nasceu de um apelo a bailarinos, actores, coreógrafos e "sonhadores" nas redes sociais, que resultou em dois dias de filmagens na galeria londrina Store X. O objectivo foi recordar e homenagear a cena raver de inícios dos anos 90, com jovens millennials vestidos a rigor e embrulhados numa edição de imagem na linha de um VHS perdido (e uma atmosfera próxima dos momentos mais hedonistas do recente "120 Batimentos por Minuto"). Siga a festa, então:
Poucas bandas poderão orgulhar-se de ter começado e terminado a década de 90 como os MASSIVE ATTACK. Aliás, não há mesmo mais nenhuma que se tenha estreado com um disco que abriu portas para o que viria ser conhecido como trip-hop, fazendo depois ao terceiro álbum, "MEZZANINE" (1998), uma viragem que marcou o último grande momento do género.
Se antes do influente "Blue Lines" (1991) já os Soul II Soul ou Neneh Cherry tinham atirado dub, soul, R&B ou funk para o mesmo caldeirão, os territórios explorados no final da década impõem-se, à distância de 20 anos, como os mais desafiantes já percorridos pelo grupo de Bristol.
Depois de um episódio pouco memorável, de evolução na continuidade, como "Protection" (1994) - apesar do magnetismo da faixa-título ou de "Karmakoma" -, a obra-prima de Robert "3D" Del Naja, Grant "Daddy G" Marshall e Andy "Mushroom" Vowles (que entretanto abandonou o projecto) chegaria ao terceiro capítulo, um concentrado de tensão de fim de milénio captado de forma quase sempre implosiva - e mais claustrofóbica do que nunca.
O compasso dopado e periclitante de "Angel" assinala o arranque de um alinhamento com uma carga cinematográfica inegável (muitas bandas sonoras de filmes, séries e publicidade agradeceram) e do qual é difícil eleger pontos altos quando a média anda pela excelência: na composição, na produção, nos ambientes e texturas desenhados e nas vozes convocadas (do habitual Horace Andy, da desconhecida Sara Jay e de Elisabeth Fraser, com a musa dos Cocteau Twins a adaptar-se sem dificuldades a outro universo dominado pela estranheza).
Talvez só "Black Milk" e "Exchange" (com direito a encore no final), os dois temas menos tensos, fiquem aquém do brilhantismo geral de "MEZZANINE", nascido de uma alquimia tão envolvente como opressiva de electrónica e guitarras. Estas últimas, um ingrediente até então pouco habitual na música dos MASSIVE ATTACK - embora dominante em discos do antigo colaborador Tricky -, são também a faceta mais evidente de ecos do rock, do pós-punk e de domínios industriais (The Cure, samplados em "Man Next Door", ajudam a decorar o cenário inóspito).
Da sequência inicial, forrada de singles clássicos (ao já referido "Angel" seguem-se "Risingson", "Teardrop" e "Inertia Creeps"), até ao desfecho com o crescendo sufocante a cargo de um improvável duo ele & ela (Del Naja e Fraser), em "Group Four", continua a estar aqui um dos grandes álbuns não só de 1998 mas de toda a década de 90. Não admira que, depois de musicalmente tão marcante, também tenha celebrado os 20 anos tornando-se pioneiro no campo científico.
É facilmente um dos melhores filmes de François Ozon: entre o drama e o suspense, a culpa e a redenção, "FRANTZ" mostra que a I Guerra Mundial continua a ser terreno fértil para novos olhares (mesmo quando partem de histórias já contadas).
Algo vai mal quando um dos filmes mais aconselháveis de François Ozon (cineasta tão intrigante como irregular) estreia por cá com dois anos de atraso e só tem direito a duas salas na primeira semana de exibição (acabou, vá lá, por ser distribuído em mais cidades na segunda). Tendo em conta que o número de obras a reter entre as novidades despejadas sem critério (às vezes perto da uma dezena por semana) parece inversamente proporcional à quantidade, a chegada de "FRANTZ" merecia outra atenção.
O filme de 2016 do realizador francês merece juntar-se a "O Tempo que Resta" (2005) ou "Dentro de Casa"(2012) ao apresentá-lo no seu melhor, apesar de partir de cenários pouco habituais no seu percurso. Inspirado na peça "L’homme que j’ai tué" (1930), de Maurice Rostand, que já tinha servido de base para uma das obras menos celebradas de Ernst Lubitsch, "O Homem que Eu Matei" (1932), arranca numa pequena localidade da Alemanha de 1919 e acaba por rumar até França, medindo o pulso aos dois países logo após a I Guerra Mundial.
Se o universo bélico era território inexplorado na obra de Ozon e o do filme de época também não era dos mais típicos, "FRANTZ" sai-se muito bem ao evitar traços de academismo demasiado associados a muitas dessas ficções. Embora o resultado seja mais sóbrio e contido do que o de alguns títulos através dos quais o cineasta se fez notar, também é dos mais amadurecidos e elegante - sem que essa contenção seja sinónimo de um autor acomodado.
Ao seguir o relacionamento entre um soldado francês, que sobreviveu à guerra mas vive atormentado pela culpa, e a noiva de um oficial alemão que morreu em combate, Ozon vai desenhando uma combinação envolvente entre o drama familiar e um exercício de suspense sem deixar de ter em conta o que move as personagens ou o peso do contexto que as influencia.
É certo que parte do que aqui mostra já tinha sido retratado na peça e filme que antecederam "FRANTZ", mas o que acrescenta não é menos digno de nota. Sobretudo quando a segunda metade da história vai dando protagonismo a Anna, uma das heroínas mais fascinantes da obra de Ozon (já de si forte em personagens femininas complexas) e muito bem defendida pela revelação Paula Beer (com um misto de fragilidade, resiliência e subtileza à medida do filme).
Todo o elenco é, aliás, impecável, desde os veteranos Ernst Stötzner e Marie Gruber, na pele dos pais do soldado desaparecido (e nos antípodas dos estereótipos da frieza alemã) a Pierre Niney, cuja figura, caracterização e linguagem corporal parecem ter saído de um filme dos tempos de Lubitsch. E se interpretações deste calibre ajudam a dar peso dramático a uma das obras mais comoventes do realizador - sem tentações de manipulação fácil pelo meio -, a belíssima fotografia de Pascal Marti (quase sempre a preto e branco, tirando alguns momentos estratégicos) e a música de Philippe Rombi (nada intrusiva) são decisivas para o efeito sensorial de "FRANTZ", particularmente sedutor.
Nem uma reviravolta talvez demasiado telegrafada, a meio, belisca muito o equilíbrio de um filme tão contundente como gracioso, no qual o embate com a tragédia e o pior da humanidade convive com uma vertente romanesca e esquiva, tão cara a Ozon (aqui a instigar uma teia de segredos e mentiras pacientemente delineada). E é curioso ver como este olhar sobre o conflito e a perda ganha outra ressonância nos dias de hoje, com a Europa (e não só) a ser palco de focos de nacionalismo alarmantes (Ozon nem precisa de forçar a nota para que o paralelismo se insinue). Também por isso, está aqui uma estreia a não deixar passar, apesar do atraso e dos limites da distribuição...
