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Muitos discos, alguns filmes, séries e livros de vez em quando, concertos quando sobra tempo

Muitos discos, alguns filmes, séries e livros de vez em quando, concertos quando sobra tempo

Entre Roma e Nápoles, da comédia ao crime

Depois de ter arrancado em Lisboa em Abril, a 12ª edição FESTA DO CINEMA ITALIANO chega a Évora, Tomar, Caldas da Rainha e Loulé nos próximos dias. Da programação que passou pela capital, "Bangla" e "Napoli Velata" ficaram entre as melhores apostas deste ano.

 

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"BANGLA", de Phaim Bhuiyan: Deliciosa, esta mistura de comédia e drama, a marcar a estreia de um realizador que também se encarrega do argumento, da produção e ainda arrisca o papel de protagonista. O facto de ser uma história em parte autobiográfica talvez ajude a explicar que seja tão credível, e com uma espontaneidade que obras de muitos realizadores mais experientes não conseguem emanar. A partir do dia-a-dia de um rapaz de uma comunidade do Bangladesh dos subúrbios de Roma (albergue de "hipsters, turistas e velhotes"), Bhuiyan vai falando, de forma certeira e contagiante, dos dilemas das diferenças culturais e da entrada na idade adulta. Essa inquietação é ampliada quando o protagonista se apaixona por uma rapariga italiana e caucasiana, obrigando-o a questionar códigos familiares, sociais e religiosos, mas "Bangla" nem tenta forçar uma resposta. Limita-se a dar conta da inquietação emocional de uma forma tão irreverente como calorosa, enquanto revela um realizador capaz de oferecer uma série de gags inspiradíssimos, numa das melhores comédias românticas em muito tempo - e uma espécie de resposta italiana à também aconselhável "Master of None", de Aziz Ansari, sem sair a perder na comparação e com personalidade e carisma mais do que suficientes.

 

3,5/5

 

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"IO SONO TEMPESTA", de Daniele Luchetti: Uma das maiores desilusões desta edição, o novo filme do realizador de "O Meu Irmão é Filho Único" (2007) ou "A Nossa Vida" (2010) fica muito aquém desses dramas (sobretudo do segundo, excelente) ao propor uma viragem para a comédia. A mudança de rumo em si não é o problema, mas esta história, que deve alguma inspiração à figura de Berlusconi, opta sempre pelo maior denominador comum enquanto tenta elaborar uma sátira política e social à Itália contemporânea - num registo que está mais próximo do pequeno do que do grande ecrã. Marco Giallini, na pele de milionário ganancioso e condenado a serviço social, nunca vai além da caricatura (o argumento também não lhe pede mais), e Elio Germano, como sem-abrigo tornado braço-direito do protagonista, é ainda mais desperdiçado depois de ter sido brilhante noutros voos com Luchetti. Mas pior estão as personagens femininas, que dão conta das maiores limitações da escrita em situações quase sempre ridículas. Pelo menos "Anni Felici" (2013), que passou pela Festa do Cinema Italiano há uns anos, revelava algum esforço em construir personagens minimamente intrigantes e em olhar ao redor de forma menos simplista. "Io Sono Tempesta", depois da encomenda "Francisco, O Papa do Povo" (2015), já é só obra de um autor que deu lugar ao tarefeiro mais acomodado...

 

1,5/5

 

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"NAPOLI VELATA", de Ferzan Ozpetek: Ao contrário da esmagadora maioria dos filmes (ou séries) que têm Nápoles como cenário, aqui a cidade italiana não surge como mero palco de crimes ligados à máfia. E embora não faltem homicídios, por uma vez não resultam de acções da "La Familia". Esse é talvez o elemento mais refrescante do novo filme do autor de "A Janela em Frente" (2003), "Saturno Contro" (2007) ou "Uma Família Moderna" (2010), cuja obra tem chegado às salas portuguesas de forma irregular. Mas é uma filmografia que merecia ser mais vista, uma vez que o realizador turco radicado em Itália tem-se mostrado um artesão habilidoso, movendo-se com desenvoltura entre vários géneros. Desta vez opta pelo thriller com contornos noir, e à partida ostensivamente eróticos... embora com uma classe e arrojo muito acima de subprodutos como "As Cinquenta Sombras de Grey", saga com a qual sugere algumas afinidades na premissa. Ainda assim, o que começa como um one night stand entre a protagonista e um homem misterioso acaba por revelar mais paralelos com o também recente "O Amante Duplo", de François Ozon, embora o retrato de Ozpetek seja bem mais rico a nível dramático, não se esgotando no exercício de estilo vistoso. Além da óptima galeria de secundários, o grande destaque é mesmo Nápoles como personagem de relevo, a quem o realizador dedica uma carta de amor a partir dos ambientes do meio artístico e intelectual. Entre a arquitectura da cidade e ruas tão labirínticas como algumas pistas do argumento, "Napoli Velata" vai moldando um olhar enigmático e sedutor, com tanto de realista como de barroco e surreal, e Ozpetek não perde a mão ao longo de uma viagem desconcertante ancorada na solidão e angústia de uma mulher. Bela surpresa.

 

3,5/5

 

Os Meninos da Camorra.jpg

 

"PIRANHA - OS MENINOS DA CAMORRA", de Claudio Giovannesi: Se "Napoli Velata" consegue espreitar recantos pouco vistos de Nápoles, o segundo filme de um dos novos realizadores italianos (sucessor de "Fiore", de 2016) nunca chega a sair de cenários habituais. Em parte talvez nem pudesse sair muito, já que se trata de uma adaptação de um livro de Roberto Saviano, autor de "Gomorra", também adaptado para cinema e TV. Giovannesi assinou, aliás, alguns episódios da série, e tanto essa experiência como a passagem pelo documentário informam o realismo palpável desta saga de iniciação ao crime. Mas embora o realizador traduza um verismo de espaços e figuras com uma solidez assinalável, reforçado pela direcção de jovens actores não profissionais (e todos da região onde decorre o filme), esta história de um grupo de adolescentes decididos a integrar a Camorra não será muito surpreendente para quem está familiarizado com outros retratos do mesmo submundo. A perda da inocência e o mergulho numa espiral descendente são dados adquiridos logo à partida, tanto como as consequências de um ciclo de violência sem fim à vista - que chega a instalar um determinismo confirmado pelo desenlace. De qualquer forma, está longe de ser um mau filme, já que Giovannesi apresenta este relato de ambição e decadência a partir do quotidiano de Nicolas, rapaz de 15 anos e um protagonista suficientemente interessante para que sigamos a sua jornada (e Francesco Di Napoli é uma das boas escolhas de um casting seguro). Só faltou mesmo algum arrojo, sobretudo depois de tantos episódios de "Gomorra" muito mais transgressores e inventivos.

 

3/5

 

Maria cheia de garra

Trazendo relatos tão femininos como feministas e um disco carregado de te(n)são, MARIA BERALDO estreou-se em palcos da capital no Musicbox Lisboa, esta quarta-feira. E nem precisou de muito tempo para se confirmar como um dos nomes mais trepidantes da nova música brasileira.

 

Maria Beraldo por Ana Viotti.jpg

 

"Pai, gosto muito dos homens, sim/ De tê-los ao alcance da boca, sim/ Mas no calor da manhã, quem me fez delirar foi uma mulher". Foi assim mesmo, sem meias palavras, que MARIA BERALDO subiu ao palco do Musicbox Lisboa para apresentar o seu disco de estreia. Editado no ano passado no Brasil, "Cavala" tem sido amplamente elogiado tanto dentro como fora de portas e a noite comprovou que as suas canções aguentam, e bem, a prova ao vivo.

 

Álbum autobiográfico e confessional, a estreia da cantautora e multi-instrumentista a solo (depois de ter sido clarinetista de Arrigo Barnabé ou de ter integrado os Quartabê) acompanhou o seu processo de coming out, o que ajuda a explicar a vertente sensual e sexual de boa parte das suas letras. Mas se o facto de a artista ser lésbica está longe de ser só um pormenor ("Tem fufas em Portugal?", perguntaria no fim do concerto, em tom bem-humorado), "Cavala" não é disco para ficar arrumado em gavetas LGBTQ+ e assume-se sobretudo como uma ode à mulher, na qual a família desta brasileira de 30 anos (da mãe à avó, passando pela sobrinha) não fica esquecida.

 

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De resto, o facto de assumir a sua homossexualidade e de colocar a saída do armário no centro da sua música está longe de ser gratuito e resulta antes, conforme sublinha em várias entrevistas, de ter sentido falta de referências femininas na música brasileira que rompessem com códigos heteronormativos quando era adolescente. Em todo o caso, em última instância o que importa é a música e essa também fala por si: tanto em disco como em palco, estas canções têm interesse e intensidade variável, mas nem as menos memoráveis deixam de incitar a curiosidade.

 

O público do Musicbox confirmou isso mesmo e nunca pareceu perder o interesse pela proposta de BERALDO durante quase uma hora - duração eventualmente curta, mas compreensível tendo em conta que "Cavala" não chega aos 30 minutos. Sozinha em palco, e claramente autossuficiente, a cantautora foi alternando entre a guitarra eléctrica, as programações e o clarinete, combinação à qual se juntou sempre a voz, ainda que muitas vezes utilizada como se de mais um instrumento se tratasse (entre jogos vocais recorrentes e letras que não se preocupam em ser sempre inteligíveis).

 

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Entusiasta tanto do formato canção como de acessos experimentais, a brasileira só viria a dirigir-se directamente ao público já no encore, mantendo até aí uma postura distante e enigmática, teatral e expressiva. A linguagem corporal entregou-se a espasmos quase epilépticos com a guitarra (ocasionalmente utilizada como percussão), logo nos primeiros minutos, e chegou a instalar o receio de um concerto tão pretensamente transgressivo como hermético.

 

Mas se alguns momentos sugeriram que a artista ainda está a consolidar a sua linguagem (pessoal ainda quem nem sempre completamente transmissível), o espectáculo foi desenhando um crescendo de tensão que culminaria na muito aplaudida "Elena", um dos temas mais imediatos e trauteáveis, ou no ataque industrial de "Tenso" (apesar de tudo, vincado por uma sensibilidade pop considerável).

 

 

A disparidade sonora dessas duas canções foi exemplificativa de um alinhamento com vontade de diluir fronteiras entre o rock de costela indie (e alma riot grrrl), a electrónica, o jazz ou a MPB, com intromissões do noise (sobretudo em "Rainha") ou de uma hipótese de IDM tropical ("Sussussussu", talvez o episódio mais dançável da noite). Para o encore ficaria "Gatas Sapatas", tema que também fecha o disco em modo espirituoso, encerrando o concerto num ambiente já bem distante da estranheza inicial. E deixou a porta aberta para um regresso a Lisboa enquanto a digressão cavalga, nos próximos dias, rumo a outros palcos nacionais. Valeu...

 

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A abrir a noite, outra boa surpresa. Mas nacional, apesar do nome. Com um minimalismo de voz e guitarra que dá um peso acrescido às palavras, os LAVOISIER retomaram canções do seu disco de estreia, "É Teu", de 2017 (já apresentado no Musicbox) e deram pistas do que aí vem, com dois inéditos. Entre uma versão de "Eu não me entendo", de José Mário Branco, e letras que dão novo embalo à escrita de Miguel Torga (entre outros poetas), Patricia Relvas e Roberto Afonso conciliaram intensidade vocal (ela) e instrumental (ele) e impuseram uma atmosfera soturna e austera (às vezes a lembrar a dos Osso Vaidoso), que nos momentos mais conseguidos soou à ocasião em que a morte abraça o respirar - conforme cantaram em "Sou Povo". Mesmo assim, o fatalismo acabou por não vingar: a despedida ficou por conta de uma versão de "Amor de Água Fresca", de Dina, uma das "guerreiras" a quem a dupla dedicou a actuação. A outra foi Marielle Franco, que, quem sabe, talvez até venha a ser uma das mulheres a inspirar a sequela de "Cavala"...

 

3/5

 

MARIA BERALDO actua no Maus Hábitos, no Porto, a 18 de Abril; no Teatro Gil Vicente, em Barcelos, a 19 de Abril; e em Aveiro, no Mercado Negro, a 20 de Abril.

 

Fotos: Musicbox Lisboa

 

 

 

Um lugar para viver

Até onde pode ir a especulação imobiliária? O cenário de "ROSIE - UMA FAMÍLIA SEM TETO" não será o mais optimista, mas o filme do irlandês Paddy Breathnach é sempre verosímil (e muitas vezes comovente) enquanto dá conta dos dramas de um casal da classe média baixa. 

 

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Não falta sentido de oportunidade ao novo filme de Paddy Breathnach, cuja obra raramente tem chegado às salas nacionais e costuma saltitar entre géneros. Em "ROSIE - UMA FAMÍLIA SEM TECTO", o irlandês aventura-se na escola do realismo britânico para um estudo de personagens que deriva, em grande parte, das tendências do mercado da habitação em várias metrópoles europeias nos últimos anos.

 

A acção decorre em Dublin, mas não seria impensável que pudesse ter Lisboa como palco. Seguindo 36 horas na vida da protagonista, do marido e dos seus quatro filhos, o filme leva o espectador a acompanhar a forma obstinada como esta família tenta encontrar uma nova casa, depois de ter sido forçada a abandonar a anterior pelo senhorio (após um aumento de renda incomportável).

 

Ancorado numa interpretação memorável de Sarah Greene, muito bem secundada por um elenco infantil com espaço para mostrar o que vale, "ROSIE - UMA FAMÍLIA SEM TETO" desenha um quotidiano tão conturbado como credível, em reajuste permanente, no qual a partilha e a solidariedade ajudam a manter uma luz ao fundo do túnel. Mas talvez já nem a esperança dure muito mais à medida que a situação precária vai acumulando imprevistos e obstáculos.

 

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Felizmente, Breathnach evita que o drama familiar se torne numa via sacra, mantendo um respeito e carinho óbvios pelas suas personagens, que nunca são reduzidas a símbolos. O miserabilismo de alguns olhares do realismo social não mora aqui, embora o retrato tenha, às vezes, outras limitações: o argumento (de Roddy Doyle, que escreveu "Os Commitments" e "A Carrinha") acaba por se revelar demasiado plano, sem um fulgor narrativo à altura da entrega dos actores, e a realização abusa, em algumas sequências, do recurso à câmara à mão para sublinhar (desnecessariamente) um sentido de urgência já bem palpável.

 

Mas se "ROSIE - UMA FAMÍLIA SEM TETO" não será candidato a marco do género em que se move, vai além da nota de intenções do filme-tema ao conseguir um relato sóbrio e íntimo, atento aos gestos e olhares, e que não se fica pela mera denúncia (ainda que não deixe de expor a situação dramática e exasperante de muitas famílias desalojadas de Dublin). E é um sucessor recomendável e igualmente atento do Ken Loach de "Eu, Daniel Blake" (que colocava o foco no desemprego) ou dos Dardenne de "Dois Dias, Uma Noite" (com o qual partilha uma estrutura narrativa de tentativas e erros e é, também como esse, centrado numa protagonista com uma tarefa hercúlea). Um pequeno filme a descobrir entre a avalanche de estreias indiferentes das últimas semanas.

 

3/5

 

 

As últimas caminhadas (pelo thriller, road movie ou western)

Clint Eastwood, Robert Redford, Joaquin Phoenix e John C. Reilly: quatro interpretações para marcar a temporada, quatro homens em fuga pela América de ontem e de hoje. E protagonistas de três filmes a ver: "CORREIO DE DROGA", "O CAVALHEIRO COM ARMA" e "OS IRMÃOS SISTERS".

 

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"CORREIO DE DROGA", de Clint Eastwood: Apesar de decepções recentes como "Sniper Americano", vale a pena não desistir do realizador de "Um Mundo Perfeito". Aos 88 anos, Eastwood assinala aqui um regresso à forma e parece decidido a contrariar as expectativas de quem tendia a engavetar parte da sua obra na militância republicana - a reboque de algumas declarações de apoio à administração Trump. Um dos trunfos desta combinação de thriller, road movie e relato familiar é, aliás, a forma como desconstrói preconceitos raciais através do protagonista, tornando Earl Stone num descendente espiritual de Walt Kowalski, o protagonista de "Gran Torino", também encarnado pelo realizador. Mas aqui o resultado é bem menos sisudo, temperando com um humor recorrente (e sempre certeiro) um retrato melancólico q.b. do envelhecimento, da solidão e da redenção, que só cede a um ou outro facilitismo dramático mais para o final. Nada que comprometa um olhar com tanto de clássico como de personalizado, capaz de retratar um país a partir da narrativa de um homem ambíguo e carismático - um horticultor octagenário que se torna colaborador de uma rede de tráfico de droga. Talvez ganhasse em concentrar-se também em alguns secundários, porque se Dianne Wiest e Bradley Cooper ainda têm direito a algumas cenas fortes, Laurence Fishburne, Michael Peña ou Andy Garcia são presenças pouco mais do que instrumentais, tal como as personagens da filha e neta do protagonista (a própria Alison Eastwood e Tessa Farmiga, respectivamente). Seja como for, Clint está de volta, impõe respeito e vai despertando alguns sorrisos cúmplices pela estrada fora.

 

3,5/5

 

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"O CAVALHEIRO COM ARMA", de David Lowery: É difícil não simpatizar com aquele que tem sido apresentado como o derradeiro filme com Robert Redford. Mas essa despedida, que inclui uma ode especialmente evidente numa montagem perto do final (a revisitar sequências de papéis anteriores), também limita uma proposta que parece esgotar-se na presença e iconografia do actor. Tal como "Correio de Droga", o argumento parte de uma história verídica, condimenta um thriller com acessos espirituosos e segue um protagonista ambivalente - aqui um assaltante charmoso, muitas vezes bem sucedido sem nunca fazer vítimas. Só que este olhar nostálgico sobre o cinema de outros tempos, do qual Redford foi um dos rostos mais emblemáticos, vai-se tornando redundante de assalto a assalto, com a fúria de viver do protagonista (camuflada por uma delicadeza difícil de quebrar) a ficar aquém de um filme memorável e estimulante. O melhor de "O Cavalheiro com Arma" são mesmo as cenas entre Redford e Sissy Spacek, com uma espontaneidade e embalo que contrastam com a modorra narrativa de demasiados momentos. Culpa do arco do polícia interpretado por Casey Affleck, cuja empatia com o protagonista resulta forçada ("Correio de Droga" sai-se melhor na cumplicidade entre Eastwood e Bradley Cooper), ou das cenas curiosas mas inconsequentes com Danny Glover e Tom Waits, por exemplo. A homenagem é bonita, mas o filme, lá está, é pouco mais do que simpático. "Nós, ao Anoitecer", de Ritesh Batra (que estreou apenas na Netflix, em 2017), teria ficado como um adeus mais substancial e comovente ao percurso de Redford. 

 

2,5/5

 

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"OS IRMÃOS SISTERS", de Jacques Audiard: Estranho numa terra estranha? Seria legítimo pensar nisso ao ver o realizador de "Um Profeta" ou "Ferrugem e Osso" em territórios do western entregues a um elenco de estrelas norte-americanas. E no entanto, o cineasta francês mostra-se aqui tão à vontade como em experiências anteriores, ao adaptar um romance do canadiano Patrick deWit ambientado nos EUA do século XIX mas rodado em Espanha e na Roménia. É uma história de amor entre homens aparentemente duros (como outros da obra de Audiard): amor fraternal no caso de John C. Reilly e Joaquin Phoenix, a dupla protagonista, e de contornos mais amplos entre as personagens de Jake Gyllenhaal e Riz Ahmed (que vai da admiração mútua a uma amizade em crescendo). Se a primeira metade do filme sugere a insistência num jogo do gato e do rato, com o primeiro par, que compõe um duo de assassinos a soldo, a perseguir o segundo, que descobriu um método inovador para a procura de ouro, o rumo do quarteto acaba por não ser tão previsível e vai acolhendo variações de tom enquanto a viagem também traz uma procura existencial para os protagonistas. Aliando crueza e sensibilidade, atmosfera reforçada pela fotografia sépia de Benoît Debie e pela música de Alexandre Desplat, Audiard sabe tirar partido de um elenco com uma química inatacável e oferece-lhe personagens que se afastam dos estereótipos insinuados à partida. O balanço é especialmente proveitoso para Reilly e Phoenix, que ganham por terem mais tempo de antena e ajudam a compensar alguns atalhos menos entusiasmantes ao longo da jornada. Mas mesmo assim, o melhor de "OS IRMÃOS SISTERS" chega quando passa da dupla para um quarteto fantástico.

 

3/5